Herbie Mann • Plays The Roar of the Greasepaint & The Smell of the Crowd

Review by Scott Yanow

On this out of print LP, flutist Herbie Mann performs 11 songs from a famous Leslie Bricusse-Anthony Newley musical. Joined by an orchestra arranged by Ray Ellis (and including either Chick Corea or Roger Kellaway on piano), Mann plays well enough. However, the only one of the 11 songs remembered today is "Who Can I Turn To," and the renditions of the material are so brief (only two songs are longer than three minutes) as to be unadventurous and rather superficial. One of Mann's less significant projects of the '60s.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

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Reseña de Scott Yanow

En este LP agotado, el flautista Herbie Mann interpreta 11 canciones de un famoso musical de Leslie Bricusse-Anthony Newley. Acompañado por una orquesta arreglada por Ray Ellis (e incluyendo a Chick Corea o Roger Kellaway en el piano), Mann toca bastante bien. Sin embargo, la única de las 11 canciones que se recuerdan hoy en día es "Who Can I Turn To", y las interpretaciones del material son tan breves (sólo dos canciones duran más de tres minutos) que no son aventureras y son bastante superficiales. Uno de los proyectos menos significativos de Mann de los años 60.

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Howlin' Wolf • The Real Folk Blues

 

 

Artist Biography by Cub Koda

In the history of the blues, there has never been anyone quite like the Howlin' Wolf. Six foot three and close to 300 pounds in his salad days, the Wolf was the primal force of the music spun out to its ultimate conclusion. A Robert Johnson may have possessed more lyrical insight, a Muddy Waters more dignity, and a B.B. King certainly more technical expertise, but no one could match him for the singular ability to rock the house down to the foundation while simultaneously scaring its patrons out of its wits.

He was born in West Point, MS, and named after the 21st President of the United States (Chester Arthur). His father was a farmer and Wolf took to it as well until his 18th birthday, when a chance meeting with Delta blues legend Charley Patton changed his life forever. Though he never came close to learning the subtleties of Patton's complex guitar technique, two of the major components of Wolf's style (Patton's inimitable growl of a voice and his propensity for entertaining) were learned first hand from the Delta blues master. The main source of Wolf's hard-driving, rhythmic style on harmonica came when Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) married his half-sister Mary and taught him the rudiments of the instrument. He first started playing in the early '30s as a strict Patton imitator, while others recall him at decade's end rocking the juke joints with a neck-rack harmonica and one of the first electric guitars anyone had ever seen. After a four-year stretch in the Army, he settled down as a farmer and weekend player in West Memphis, AR, and it was here that Wolf's career in music began in earnest.

By 1948, he had established himself within the community as a radio personality. As a means of advertising his own local appearances, Wolf had a 15-minute radio show on KWEM in West Memphis, interspersing his down-home blues with farm reports and like-minded advertising that he sold himself. But a change in Wolf's sound that would alter everything that came after was soon in coming because when listeners tuned in for Wolf's show, the sound was up-to-the-minute electric. Wolf had put his first band together, featuring the explosive guitar work of Willie Johnson, whose aggressive style not only perfectly suited Wolf's sound but aurally extended and amplified the violence and nastiness of it as well. In any discussion of Wolf's early success both live, over the airwaves, and on record, the importance of Willie Johnson cannot be overestimated.

Wolf finally started recording in 1951, when he caught the ear of Sam Phillips, who first heard him on his morning radio show. The music Wolf made in the Memphis Recording Service studio was full of passion and zest and Phillips simultaneously leased the results to the Bihari Brothers in Los Angeles and Leonard Chess in Chicago. Suddenly, Howlin' Wolf had two hits at the same time on the R&B charts with two record companies claiming to have him exclusively under contract. Chess finally won him over and as Wolf would proudly relate years later, "I had a 4,000 dollar car and 3,900 dollars in my pocket. I'm the onliest one drove out of the South like a gentleman." It was the winter of 1953 and Chicago would be his new home.

When Wolf entered the Chess studios the next year, the violent aggression of the Memphis sides was being replaced with a Chicago backbeat and, with very little fanfare, a new member in the band. Hubert Sumlin proved himself to be the Wolf's longest-running musical associate. He first appears as a rhythm guitarist on a 1954 session, and within a few years' time his style had fully matured to take over the role of lead guitarist in the band by early 1958. In what can only be described as an "angular attack," Sumlin played almost no chords behind Wolf, sometimes soloing right through his vocals, featuring wild skitterings up and down the fingerboard and biting single notes. If Willie Johnson was Wolf's second voice in his early recording career, then Hubert Sumlin would pick up the gauntlet and run with it right to the end of the howler's life.

By 1956, Wolf was in the R&B charts again, racking up hits with "Evil" and "Smokestack Lightnin'." He remained a top attraction both on the Chicago circuit and on the road. His records, while seldom showing up on the national charts, were still selling in decent numbers down South. But by 1960, Wolf was teamed up with Chess staff writer Willie Dixon, and for the next five years he would record almost nothing but songs written by Dixon. The magic combination of Wolf's voice, Sumlin's guitar, and Dixon's tunes sold a lot of records and brought the 50-year-old bluesman roaring into the next decade with a considerable flourish. The mid-'60s saw him touring Europe regularly with "Smokestack Lightnin'" becoming a hit in England some eight years after its American release. Certainly any list of Wolf's greatest sides would have to include "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," and "Wang Dang Doodle," Dixon compositions all. While almost all of them would eventually become Chicago blues standards, their greatest cache occurred when rock bands the world over started mining the Chess catalog for all it was worth. One of these bands was the Rolling Stones, whose cover of "The Red Rooster" became a number-one record in England. At the height of the British Invasion, the Stones came to America in 1965 for an appearance on ABC-TV's rock music show, Shindig. Their main stipulation for appearing on the program was that Howlin' Wolf would be their special guest. With the Stones sitting worshipfully at his feet, the Wolf performed a storming version of "How Many More Years," being seen on his network-TV debut by an audience of a few million. Wolf never forgot the respect the Stones paid him, and he spoke of them highly right up to his final days.

Dixon and Wolf parted company by 1964 and Wolf was back in the studio doing his own songs. One of the classics to emerge from this period was "Killing Floor," featuring a modern backbeat and a incredibly catchy guitar riff from Sumlin. Catchy enough for Led Zeppelin to appropriate it for one of their early albums, cheerfully crediting it to themselves in much the same manner as they had done with numerous other blues standards. By the end of the decade, Wolf's material was being recorded by artists including the Doors, the Electric Flag, the Blues Project, Cream, and Jeff Beck. The result of all these covers brought Wolf the belated acclaim of a young, white audience. Chess' response to this was to bring him into the studio for a "psychedelic" album, truly the most dreadful of his career. His last big payday came when Chess sent him over to England in 1970 to capitalize on the then-current trend of London Session albums, recording with Eric Clapton on lead guitar and other British superstars. Wolf's health was not the best, but the session was miles above the earlier, ill-advised attempt to update Wolf's sound for a younger audience.

As the '70s moved on, the end of the trail started coming closer. By now Wolf was a very sick man; he had survived numerous heart attacks and was suffering kidney damage from an automobile accident that sent him flying through the car's windshield. His bandleader Eddie Shaw firmly rationed Wolf to a meager half-dozen songs per set. Occasionally some of the old fire would come blazing forth from some untapped wellspring, and his final live and studio recordings show that he could still tear the house apart when the spirit moved him. He entered the Veterans Administration Hospital in 1976 to be operated on, but never survived it, finally passing away on January 10th of that year.

But his passing did not go unrecognized. A life-size statue of him was erected shortly after in a Chicago park. Eddie Shaw kept his memory and music alive by keeping his band, the Wolf Gang, together for several years afterward. A child-education center in Chicago was named in his honor and in 1980 he was elected to the Blues Foundation Hall of Fame. In 1991, he was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. A couple of years later, his face was on a United States postage stamp. Howlin' Wolf is now a permanent part of American history.

https://www.allmusic.com/artist/howlin-wolf-mn0000276085/biography

 

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Biografía del artista por Cub Koda
En la historia del blues, nunca ha habido nadie como el Lobo Aullador. Mide 1,95 metros y pesaba cerca de 300 libras en sus días de ensalada, el Lobo era la fuerza primordial de la música que se extendió hasta su conclusión final. Un Robert Johnson puede haber poseído más perspicacia lírica, un Muddy Waters más dignidad, y un B.B. King ciertamente más pericia técnica, pero nadie podría igualarlo por la singular habilidad de mecer la casa hasta los cimientos mientras que simultáneamente asusta a sus clientes.

Nació en West Point, MS, y recibió el nombre del 21º Presidente de los Estados Unidos (Chester Arthur). Su padre era agricultor y Wolf se dedicó a ello hasta que cumplió 18 años, cuando un encuentro casual con la leyenda del blues del Delta, Charley Patton, cambió su vida para siempre. Aunque nunca estuvo cerca de aprender las sutilezas de la compleja técnica de guitarra de Patton, dos de los componentes principales del estilo de Wolf (el inimitable gruñido de una voz de Patton y su propensión a entretenerse) fueron aprendidos de primera mano por el maestro del Delta blues. La fuente principal del estilo rítmico de Wolf en armónica vino cuando Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) se casó con su media hermana Mary y le enseñó los rudimentos del instrumento. Empezó a tocar a principios de los años 30 como un estricto imitador de Patton, mientras que otros lo recuerdan al final de la década tocando el juke con una armónica en el neck-rack y una de las primeras guitarras eléctricas que alguien había visto. Después de cuatro años en el Ejército, se estableció como granjero y jugador de fin de semana en Memphis Oeste, R.A., y fue aquí donde la carrera musical de Wolf comenzó en serio.

En 1948, se había establecido en la comunidad como una personalidad de la radio. Como medio para anunciar sus propias apariciones locales, Wolf tenía un programa de radio de 15 minutos en KWEM en West Memphis, intercalando su blues casero con informes de granjas y publicidad de ideas afines que él mismo vendía. Pero un cambio en el sonido de Wolf que alteraría todo lo que venía después pronto llegó porque cuando los oyentes sintonizaron el programa de Wolf, el sonido era eléctrico al minuto. Wolf había formado su primera banda, con el explosivo trabajo de guitarra de Willie Johnson, cuyo estilo agresivo no sólo se adaptaba perfectamente al sonido de Wolf, sino que también ampliaba y amplificaba la violencia y la maldad de la misma. En cualquier discusión sobre el éxito inicial de Wolf, tanto en vivo, a través de las ondas de radio y televisión, como en los registros, la importancia de Willie Johnson no puede ser sobreestimada.

Wolf finalmente comenzó a grabar en 1951, cuando captó la atención de Sam Phillips, quien lo escuchó por primera vez en su programa de radio matutino. La música que Wolf hizo en el estudio de Memphis Recording Service estaba llena de pasión y entusiasmo y Phillips alquiló simultáneamente los resultados a los Bihari Brothers en Los Ángeles y Leonard Chess en Chicago. De repente, Howlin' Wolf tuvo dos éxitos al mismo tiempo en las listas de éxitos de R&B con dos compañías discográficas que afirmaban tenerlo exclusivamente bajo contrato. El ajedrez finalmente lo convenció y como Wolf relataría orgullosamente años más tarde: "Tenía un coche de 4.000 dólares y 3.900 dólares en el bolsillo. Soy el único que ha salido del sur como un caballero". Era el invierno de 1953 y Chicago sería su nuevo hogar.

Cuando Wolf entró en los estudios de ajedrez al año siguiente, la violenta agresión de los equipos de Memphis fue reemplazada por un ritmo de Chicago y, con muy poca fanfarria, un nuevo miembro de la banda. Hubert Sumlin demostró ser el músico asociado más antiguo de Wolf. Aparece por primera vez como guitarrista rítmico en una sesión de 1954, y en pocos años su estilo había madurado completamente para asumir el papel de guitarrista principal en la banda a principios de 1958. En lo que sólo puede describirse como un "ataque angular", Sumlin no tocó casi ningún acorde detrás de Wolf, a veces en solitario a través de su voz, con movimientos salvajes hacia arriba y hacia abajo en el diapasón y mordiendo notas individuales. Si Willie Johnson era la segunda voz de Wolf en su temprana carrera discográfica, entonces Hubert Sumlin tomaría el guante y correría con él hasta el final de la vida del aullador.

En 1956, Wolf volvió a estar en las listas de éxitos de R&B, acumulando éxitos con "Evil" y "Smokestack Lightnin'". Se mantuvo como una de las principales atracciones tanto en el circuito de Chicago como en la carretera. Sus récords, aunque rara vez aparecían en las listas nacionales, seguían vendiéndose en números decentes en el sur. Pero en 1960, Wolf se asoció con el escritor de ajedrez Willie Dixon, y durante los siguientes cinco años no grabó casi nada más que canciones escritas por Dixon. La mágica combinación de la voz de Wolf, la guitarra de Sumlin, y las melodías de Dixon vendieron muchos discos y llevaron al bluesista de 50 años a la siguiente década con un florecimiento considerable. A mediados de los años 60, viajó regularmente por Europa con "Smokestack Lightnin'" y se convirtió en un éxito en Inglaterra ocho años después de su estreno en Estados Unidos. Ciertamente, cualquier lista de los mejores lados de Wolf tendría que incluir "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," y "Wang Dang Doodle," todas las composiciones de Dixon. Mientras que casi todos ellos se convertirían eventualmente en los estándares del blues de Chicago, su mayor caché ocurrió cuando bandas de rock de todo el mundo empezaron a minar el catálogo de ajedrez por todo lo que valía la pena. Una de estas bandas fue Rolling Stones, cuya versión de "The Red Rooster" se convirtió en el disco número uno de Inglaterra. En el apogeo de la invasión británica, los Stones llegaron a Estados Unidos en 1965 para una aparición en el programa de música rock de ABC-TV, Shindig. Su principal estipulación para aparecer en el programa era que Howlin' Wolf sería su invitado especial. Con las Piedras sentadas a sus pies, el Lobo interpretó una versión impresionante de "Cuántos años más", que fue vista en su debut en la cadena de televisión por unos pocos millones de espectadores. Wolf nunca olvidó el respeto que los Stones le pagaban, y habló de ellos hasta sus últimos días.

Dixon y Wolf se separaron en 1964 y Wolf estaba de vuelta en el estudio haciendo sus propias canciones. Uno de los clásicos que surgió de este período fue "Killing Floor", con un ritmo moderno y un riff de guitarra increíblemente pegajoso de Sumlin. Lo suficientemente pegajoso como para que Led Zeppelin se lo apropiara para uno de sus primeros álbumes, atribuyéndoselo alegremente a ellos mismos de la misma manera que lo habían hecho con muchos otros estándares de blues. A finales de la década, el material de Wolf estaba siendo grabado por artistas como The Doors, The Electric Flag, The Blues Project, Cream y Jeff Beck. El resultado de todas estas portadas trajo a Wolf el aplauso tardío de un público joven y blanco. La respuesta de Chess a esto fue traerlo al estudio para un álbum "psicodélico", verdaderamente el más espantoso de su carrera. Su último gran día de pago fue cuando Chess lo envió a Inglaterra en 1970 para capitalizar la tendencia actual de los álbumes de London Session, grabando con Eric Clapton en guitarra solista y otras superestrellas británicas. La salud de Wolf no era la mejor, pero la sesión estaba muy por encima de la anterior y desacertada tentativa de actualizar el sonido de Wolf para un público más joven.

A medida que los años 70 avanzaban, el final del camino comenzó a acercarse. Por ahora Wolf era un hombre muy enfermo; había sobrevivido a numerosos ataques cardíacos y estaba sufriendo daño renal debido a un accidente automovilístico que lo hizo volar a través del parabrisas del auto. Su director de orquesta Eddie Shaw racionó firmemente a Wolf con media docena de canciones por set. Ocasionalmente, algo del viejo fuego salía ardiendo de un manantial sin explotar, y sus grabaciones finales en vivo y en estudio muestran que todavía podía destrozar la casa cuando el espíritu lo movía. Entró en el Hospital de la Administración de Veteranos en 1976 para ser operado, pero nunca sobrevivió y finalmente falleció el 10 de enero de ese año.

Pero su muerte no pasó desapercibida. Poco después se erigió una estatua de tamaño natural en un parque de Chicago. Eddie Shaw mantuvo viva su memoria y su música al mantener a su banda, la Wolf Gang, unida durante varios años después. Un centro de educación infantil en Chicago fue nombrado en su honor y en 1980 fue elegido para el Salón de la Fama de la Blues Foundation. En 1991, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Un par de años después, su cara estaba en un sello de correos de los Estados Unidos. Lobo Aullador es ahora parte permanente de la historia de Estados Unidos.

https://www.allmusic.com/artist/howlin-wolf-mn0000276085/biography

 

 

 

Joschi Schneeberger Quintett • Rani

Joschi Schneeberger

Geb. 1957 in Wien, begann seine Laufbahn 1982 als Autodidakt.
Gilt heute als einer der gefragtesten und versiertesten Bassisten
der österreichischen Jazzszene.
Fernseh- und Rundfunkaufnahmen mit:

Zipflo Weinrich Ensemble, Elly Wright und Band, Lady „P“ and Friends, Vienna String Quartett, Wolfgang Wehner Trio, Swinging Jazz-Gitti, Harri Stojka und Band, Joschi Schneeberger Trio und dem Diknu Schneeberger Trio.
Internationale Gastspiele in:

Belgien, Brasilien, China, Deutschland, England, Finnland, Frankreich, Griechenland, Indien, Indonesien, Iran, Italien, Kroatien, Liechtenstein, Luxemburg, Malta, Mexiko, Montenegro, Norwegen, Polen, Rumänien, Russland, Schweden, Schweiz, Slowakei, Slowenien, Spanien, Tschechische Republik und Ungarn.
Zusammenarbeit und Konzerttourneen mit:

Allen Praskin, Allen Smith, Barney Kessel, Benny Bailey, Benjamin Schmid, Bill Grah, Bireli Lagrene, Bobby Durham, Bobby Shew, Bosco Petrovic, Bradford Leali, Bruno Castellucci, Costa Lukacs, Clark Terry, Conte und Pete Candoli, Danny Moss, Ed Polcer, Ed Thigpen, Fritz Pauer, Gustavo Bergalli, Hal Singer, Hans Salomon, Häns`sche Weiss, Harri Stojka, Heinz von Hermann, Ingrid Jensen, Jim Galloway, Johannes Enders, John Allred, Karl Ratzer, Kevin Mahogany, Merill Hoover, Mundell Lowe, Oscar Klein, Randy Sandke, Red Holloway, Richard Österreicher, Rolf Ericson, Roman Schwaller, Till Brönner, Valery Ponomarev, Wolfgang Puschnig u.v.a.

– 1999 Gründung seines eigenen Trios mit Karl Hodina und Striglo Stöger.
– 2007 Joschi Schneeberger Sextett mit Karl Hodina, Aaron Wonesch, seinem Sohn Diknu Schneeberger, Martin Spitzer und Toni Mühlhofer.
– 2015 Joschi Schneeberger Quintett mit Aaron Wonesch, Diknu Schneeberger, Martin Spitzer und Toni Mühlhofer.
– Seit 2018 Joschi Schneeberger Quartett mit Aaron Wonesch, Martin Spitzer und Toni Mühlhofer.
– Seit 2019 Joschi Schneeberger Gypsy Swingtet mit Martin Spitzer und Julian Eggenhofer. Und Seavas Koarl mit Bertl Mayer, Peter Havlicek und Martin Spitzer.

https://www.joschischneeberger.at/bio.htm

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Joschi Schneeberger

Nacido en Viena en 1957, comenzó su carrera en 1982 como persona autodidacta.
Hoy en día es considerado uno de los bajistas más buscados y experimentados
de la escena de jazz austriaca.
grabaciones de televisión y radio con:

Zipflo Weinrich Ensemble, Elly Wright and Band, Lady "P" and Friends, Vienna String Quartet, Wolfgang Wehner Trio, Swinging Jazz-Gitti, Harri Stojka and Band, Joschi Schneeberger Trio y el Diknu Schneeberger Trio.
Actuaciones de invitados internacionales en:

Alemania, Bélgica, Brasil, China, Eslovaquia, Eslovenia, España, Finlandia, Francia, Grecia, India, Indonesia, Irán, Italia, Croacia, Liechtenstein, Luxemburgo, Malta, México, Montenegro, Noruega, Polonia, República Checa, Rumania, Rusia, Suecia, Suiza y Hungría.
Cooperación y giras de conciertos con:

Allen Praskin, Allen Smith, Barney Kessel, Benny Bailey, Benjamin Schmid, Bill Grah, Bireli Lagrene, Bobby Durham, Bobby Shew, Bosco Petrovic, Bradford Leali, Bruno Castellucci, Costa Lukacs, Clark Terry, Conte y Pete Candoli, Danny Moss, Ed Polcer, Ed Thigpen, Fritz Pauer, Gustavo Bergalli, Hal Singer, Hans Salomon, Häns`sche Weiss, Harri Stojka, Heinz von Hermann, Ingrid Jensen, Jim Galloway, Johannes Enders, John Allred, Karl Ratzer, Kevin Mahogany, Merill Hoover, Mundell Lowe, Oscar Klein, Randy Sandke, Red Holloway, Richard Österreicher, Rolf Ericson, Roman Schwaller, Till Brönner, Valery Ponomarev, Wolfgang Puschnig u. y muchos otros

- 1999 fundación de su propio trío con Karl Hodina y Striglo Stöger
- 2007 Sexteto de Joschi Schneeberger con Karl Hodina, Aaron Wonesch, su hijo Diknu Schneeberger, Martin Spitzer y Toni Mühlhofer.
- 2015 Joschi Schneeberger Quinteto con Aaron Wonesch, Diknu Schneeberger, Martin Spitzer y Toni Mühlhofer.
- Desde 2018 Joschi Schneeberger Quinteto con Aaron Wonesch, Martin Spitzer y Toni Mühlhofer.
- Desde 2019 Joschi Schneeberger Gypsy Swingtet con Martin Spitzer y Julian Eggenhofer. Y Seavas Koarl con Bertl Mayer, Peter Havlicek y Martin Spitzer.

https://www.joschischneeberger.at/bio.htm

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Joschi Schneeberger

Born in Vienna in 1957, he began his career as an autodidact in 1982.
Today he is considered one of the most sought-after and experienced bassists
of the Austrian jazz scene.
television and radio recordings with:

Zipflo Weinrich Ensemble, Elly Wright and Band, Lady "P" and Friends, Vienna String Quartet, Wolfgang Wehner Trio, Swinging Jazz-Gitti, Harri Stojka and Band, Joschi Schneeberger Trio and the Diknu Schneeberger Trio.
International guest performances in:

Belgium, Brazil, China, Germany, England, Finland, France, Greece, India, Indonesia, Iran, Italy, Croatia, Liechtenstein, Luxembourg, Malta, Mexico, Montenegro, Norway, Poland, Romania, Russia, Sweden, Switzerland, Slovakia, Slovenia, Spain, Czech Republic and Hungary.
Cooperation and concert tours with:

Allen Praskin, Allen Smith, Barney Kessel, Benny Bailey, Benjamin Schmid, Bill Grah, Bireli Lagrene, Bobby Durham, Bobby Shew, Bosco Petrovic, Bradford Leali, Bruno Castellucci, Costa Lukacs, Clark Terry, Conte and Pete Candoli, Danny Moss, Ed Polcer, Ed Thigpen, Fritz Pauer, Gustavo Bergalli, Hal Singer, Hans Salomon Häns`sche Weiss, Harri Stojka, Heinz von Hermann, Ingrid Jensen, Jim Galloway, Johannes Enders, John Allred, Karl Ratzer, Kevin Mahogany, Merill Hoover, Mundell Lowe, Oscar Klein, Randy Sandke, Red Holloway, Richard Österreicher, Rolf Ericson, Roman Schwaller, Till Brönner, Valery Ponomarev, Wolfgang Puschnig u. and many others.

- 1999 foundation of his own trio with Karl Hodina and Striglo Stöger
- 2007 Joschi Schneeberger Sextet with Karl Hodina, Aaron Wonesch, his son Diknu Schneeberger, Martin Spitzer and Toni Mühlhofer.
- 2015 Joschi Schneeberger Quintet with Aaron Wonesch, Diknu Schneeberger, Martin Spitzer and Toni Mühlhofer.
- Since 2018 Joschi Schneeberger Quintet with Aaron Wonesch, Martin Spitzer and Toni Mühlhofer.
- Since 2019 Joschi Schneeberger Gypsy Swingtet with Martin Spitzer and Julian Eggenhofer. And Seavas Koarl with Bertl Mayer, Peter Havlicek and Martin Spitzer. 

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Brian Setzer Orchestra • Best Of The Big Band

 

 

Biography by Stephen Thomas Erlewine
Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and styles back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice: first as the leader of the Stray Cats, the trio who brought rockabilly back into the charts during the '80s, and then as a figure who helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s, which is when rockabilly was born, but it was also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, such as Louis Prima and Big Joe Turner. While the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had. Though Setzer's first solo effort, 1986's The Knife Feels Like Justice, was a heartland rock album, his big step forward came with 1994's The Brian Setzer Orchestra, where his rockabilly/swing fusion first took hold, and with 1998's The Dirty Boogie, he took that sound to the pop charts. His work with the Orchestra and the occasional holiday-themed release dominated his solo career, but he took detours back to rockabilly, most notably on 2005's Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records and 2021's Gotta Have the Rumble. 2023's The Devil Always Collects was recorded with a trio.

While the heroes of rockabilly's golden era -- Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis, and Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard, but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter was also a bandmate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.

Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," the record was a hit; its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."

Success came to the Stray Cats, but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats' fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Another reunion with the Stray Cats followed, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; they then returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final album recorded with their original producer, Dave Edmunds.

This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200, and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal releases in his discography) to swinging covers of classical compositions (2007's Wolfgang's Big Night Out), most issued on SurfDog Records. 2004's The Ultimate Collection: Recorded Live was a solid document of this period; a two-album set, the first disc featured a show in Montreal from one of the Setzer Orchestra's early tours, while the second preserved a show in Japan after the band's commercial breakthrough, previously issued on its own in 2001 as Jumpin' East of Java: Live in Japan.

At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Another holiday album, Rockin' Rudolph, showed up in time for the Christmas season of 2015. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November 2017. In 2020, The Ultimate Collection: Recorded Live set from 2004 got a vinyl reissue in the form of two double-LP sets, with The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 featuring the Montreal concert and The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 2 containing the Japanese show. In 2021, Setzer issued his first solo outing in seven years, the rollicking, yet reflective Gotta Have the Rumble.

He returned to the studio with co-producer Julian Raymond, mixing engineer Chris Lord-Alge, and a cast of sidemen; he emerged with The Devil Always Collects. Released in September 2023, it showcased originals and covers, evidenced by lead single "Girl on the Billboard," a mid-'60s trucker's anthem closely associated with Del Reeves. Following its release, Setzer undertook the Rockabilly Riot Tour with an international trio that included bassist Australian bassist Chris D’Rozario and drummer Juan Laurios from Mexico City.
https://www.allmusic.com/artist/brian-setzer-mn0000519637#biography

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
Cada década tiene su propia locura retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y estilos clásicos. Brian Setzer interpretó este truco no solo una vez, sino dos veces: primero como líder de The Stray Cats, el trío que devolvió el rockabilly a las listas de éxitos durante los años 80, y luego como una figura que ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los 90 con la Orquesta de Brian Setzer. Ambos sonidos se basaron en los años 50, que es cuando nació el rockabilly, pero también fue el apogeo del tipo de jump blues que amaba Setzer, como Louis Prima y Big Joe Turner. Mientras que The Stray Cats eran puristas, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, como solista, Setzer terminó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo oscilante. Con este sonido de salto, cultivó seguidores leales, que consistían en no pocos discípulos de los últimos días, que se extendieron hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la carrera exitosa y de larga duración que muchos de sus ídolos nunca tuvieron. Aunque el primer esfuerzo en solitario de Setzer, The Knife Feels Like Justice de 1986, fue un álbum de rock del corazón, su gran paso adelante llegó con The Brian Setzer Orchestra de 1994, donde su fusión de rockabilly/swing se afianzó por primera vez, y con The Dirty Boogie de 1998, llevó ese sonido a las listas de éxitos. Su trabajo con la Orquesta y el lanzamiento ocasional de temas navideños dominaron su carrera en solitario, pero volvió al rockabilly, sobre todo en Rockabilly Riot, Vol. 1: Un tributo a Sun Records y Gotta Have the Rumble de 2021. The Devil Always Collects de 2023 fue grabado con un trío.

Mientras que los héroes de la era dorada del rockabilly, Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis y Carl Perkins, ocupan un lugar destacado en la obra de Setzer, cuando era niño y crecía en Long Island, inicialmente se enamoró del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el bombardino y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que lo llevó por el camino del rockabilly. Cogiendo una guitarra, formó The Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, este último también fue compañero de banda de Brian en the Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su enamoramiento por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que se convirtieron en Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom ingresaron a la formación a fines de 1979.

Sintiendo que Estados Unidos no estaba listo para su rock & roll, The Stray Cats partieron hacia Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. En unos pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds, quien casualmente apareció en la película de 1973 That'll be the Day, tocando en una banda llamada Stray Cats, y los tomó bajo su protección, produciendo su debut homónimo de 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", el disco fue un éxito; a su secuela de 1982, Gonna Ball, no le fue tan bien, pero los aspectos más destacados de los dos LP fueron seleccionados para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos antes mencionados, que recibieron una gran difusión en MTV, Built for Speed convirtió a The Stray Cats en estrellas en los EE. UU., allanando el camino para Rant n Rave with the Stray Cats de 1983, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17 "y uno menor en la forma de" I Won't Stand in Your Way."

El éxito llegó a The Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como acompañante de una variedad de rockeros, sobre todo tocando en la banda de viejos de Robert Plant, The Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás casualmente, Setzer regresó al redil de Stray Cats ese año para Rock Therapy, una reunión que tampoco logró impulsar las ventas. El siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Siguió otra reunión con The Stray Cats, que duró tres álbumes durante cuatro años. ¡Primero fue Blast Off de 1989!, que apoyaron con una gira como teloneros de Stevie Ray Vaughan, pero el récord no superó los 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Sin desanimarse, se unieron a Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster!, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para Choo Choo Hot Fish de 1992, un último álbum grabado con su productor original, Dave Edmunds.

Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Orquesta de Brian Setzer, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut homónimo apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, alcanzando el puesto 158; luego, la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco no llegó a las listas, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un gran éxito gracias a una versión exitosa de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima."El sencillo alcanzó su punto máximo en 23 y el récord llegó hasta nueve en el Billboard 200, y si Setzer nunca volvió a escalar esas alturas the ¡el seguimiento de 2000, Vavoom!, llegó a 62 -- sin embargo, encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big band oscilantes en el nuevo milenio, que van desde una serie de álbumes navideños (hay al menos cinco lanzamientos estacionales en su discografía) hasta versiones oscilantes de composiciones clásicas (Wolfgang's Big Night Out de 2007), la mayoría publicados en SurfDog Records. The Ultimate Collection: Recorded Live de 2004 fue un documento sólido de este período; un set de dos álbumes, el primer disco presentó un espectáculo en Montreal de una de las primeras giras de la Orquesta Setzer, mientras que el segundo conservó un espectáculo en Japón después del gran avance comercial de la banda, publicado previamente por su cuenta en 2001 como Jumpin' East of Java: Live in Japan.

A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con Nitro Burnin' Funny Daddy, de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: ¡Un tributo a Sun Records en 2005, y que se extiende a Rockabilly Riot de 2014! Todo Original. Otro álbum navideño, Rockin ' Rudolph, apareció a tiempo para la temporada navideña de 2015. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Orquesta Brian Setzer con el lanzamiento de 25 Live!, una tienda de discos de edición limitada El Día 45 de "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock", en noviembre de 2017. En 2020, The Ultimate Collection: Set grabado en vivo de 2004 recibió una reedición en vinilo en forma de dos sets de doble LP, con The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 presentando el concierto de Montreal y The Ultimate Collection Grabado en Vivo, Vol. 2 que contiene el espectáculo japonés. En 2021, Setzer emitió su primera salida en solitario en siete años, el alegre, pero reflexivo Gotta Have the Rumble.

Regresó al estudio con el coproductor Julian Raymond, el ingeniero de mezcla Chris Lord-Alge y un elenco de acompañantes; surgió con The Devil Always Collects. Lanzado en septiembre de 2023, mostró originales y versiones, evidenciado por el sencillo principal "Girl on the Billboard", un himno de camioneros de mediados de los 60 estrechamente asociado con Del Reeves. Tras su lanzamiento, Setzer emprendió la gira Rockabilly Riot con un trío internacional que incluía al bajista australiano Chris D'Rozario y al baterista Juan Laurios de la Ciudad de México.
https://www.allmusic.com/artist/brian-setzer-mn0000519637#biography

 

 

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Suggested video: Billy Cobham Crosswinds Project feat Randy Brecker

 

Billy Cobham Crosswinds Project feat Randy Brecker - Estival Jazz Lugano 2019

Musicians:
Billy Cobham: drums
Randy Brecker: trumpet
Paul Hanson: bassoon, soprano saxophone
Fareed Haque: guitar
Tim Landers: bass
Scott Tibbs: keyboards

Special guest:
Franco Ambrosetti: flugelhorn
Bobby Watson: alto saxophone